Abordando el tenebrismo: Caravaggio

Hoy vamos a hacer una viaje al pasado, hasta la Italia del siglo XV, para conocer a uno de los artistas más influyentes de su época, cuya fama llegó hasta España y en el que se inspiraron artistas de la talla de Velázquez. ¿Sabéis ya de quién hablo? Sí, de Caravaggio. Excelente dibujante, gracias a su técnica y al uso del óleo, alcanzó altísimas cotas de realismo en sus representaciones de personas, al tiempo que, como buen barroco, utilizó la luz y las perspectivas forzadas para dar un efectismo y una teatralidad a sus imágenes que siguen haciendo escapar exclamaciones al público que hoy en día las contempla. El barroco es la época del dramatismo, de las posturas amaneradas y exageradas y de una luz que parece imitar los focos de un teatro. A Caravaggio se le considera el "inventor" de lo que se ha llamado tenebrismo, una técnica en la que las figuras se ven rodeadas de una oscuridad abstracta, de un negro sin fondo, al tiempo que hay un punto de luz muy potente, que crea grandes contrastes y descubre a unos personajes de rasgos definidos con muchísimo detalle.

¿Cuáles son las pautas para hoy? Partiendo de objetos de clase (aunque algunos han preferido hacer figuras u objetos inventados), vamos a utilizar un fondo oscurísimo, y a "colocar" un punto de luz, definir desde qué angulo afecta a nuestros objetos. A partir de ahí crearemos un fuerte contraste, buscando diferentes colores para una luz y una sombra muy diferenciadas.

Bienvenidos al tenebrismo...

Alba, 4 años

Amanda, 5 años

Violeta, 5 años

Elina, 7 años

Pablo, 7 años

Rodrigo, 9 años

Iria, 9 años

Ana, 10 años

Isabel, 11 años

Emile Nolde, cuando la cara es una máscara

Emile Hansen, (este era su verdadero nombre), fue uno de los más destacados pintores del expresionismo alemán, perteneciendo al grupo Die Brücke (el puente). Casi centenario, por sus ojos pasó la evolución desde la Alemania decimonónica hasta la potencia que participaría de forma crucial en las dos grandes guerras. El arte ha de tomar partido, se posiciona para ayudar a canalizar todo el horror vivido por las personas, cuya única opción para poder seguir viviendo es el silencio, la seriedad en el rostro, la "inexpresión". Frente a esto los pintores alemanes reaccionan con el expresionismo, lugar dónde el dibujo no importa, sino sólo la transmisión de emociones mediante pinceladas crudas y espontáneas, violentas. 

Nosotros vamos a coger de Emile Nolde su técnica, su "pintura directa" y vamos a atrevernos a abordar el papel directamente con el pincel, sin dibujo previo, sin composición meditada. Al mismo tiempo vamos a usar el color y la luz para expresar emociones, y no de forma realista. Grandes contrastes y colores saturados expresarán algo muy distinto que tonos suaves, y la pincelada será también una forma de expresión. 

Partimos directamente del natural, de los simples bodegones que nos rodean en clase, para comprobar cómo la forma de pintar puede afectar en la percepción del espacio. Colores más saturados, pintura directa, convierten nuestra tranquila aula de paredes blancas en rincones que cuentan cosas...

¡Aquí tenéis!

Inés

Lucas

Pablo

Diego

Alberto

Begoña

Belén

Monet: momentos del día, estaciones del año

Claude Monet nació en 1840, en una época en que aún la Academia determinaba los gustos y el mercado de arte de la época. Aunque él empezó en un estilo realista, pronto comenzó a experimentar con los cambios de luz para dar paso a lo que se llamaría el Impresionismo, que inauguró la ruptura vanguardista. De hecho, el nombre del grupo está basado en un cuadro de Monet titulado "Impresión, sol naciente".

Fue un pintor tremendamente metódico y trabajador. Son famosas sus series de hasta 30 cuadros de un mismo tema observando simplemente los cambios de luz. La fachada de la catedral de Rouen, o las vistas al parlamento, o los cambios de estación observados en el estanque de nenúfares de su jardín son buenos ejemplos de esta búsqueda del momento exacto, de la impresión única que interesaba a estos pintores más allá de la inmovilidad y el ansia de permanencia de la pintura anterior.

Nosotros en esta ocasión intentamos aprender esta técnica usando el procedimiento de Monet. Partimos de un mismo dibujo que repetimos dos veces en un papel, un paisaje o un bodegón, para los que prefieren partir de natural o imaginar un lugar cualquiera, y a partir de ahí construimos dos imágenes diferentes cambiando los colores, es decir, cambiando la luz. Hay quien elige representar el día y la noche, o la diferencia entre el invierno y el verano, o entre un día soleado y otro gris.
Al mismo tiempo intentamos reproducir la técnica del artista basada en pinceladas cortas y rápidas que le permiten mayor mezcla cromática.

Creo que estos chicos y chicas lo entendieron perfectamente. ¿Qué opináis?


Carla

Inés

Nieves

Abel

Guille

Sandra

Sebastián

Expresionismo alemán: Emile Nolde

Emile Nolde fue un artista alemán que trabajó desde principios del siglo XX hasta el final de las dos guerras mundiales.
Mientras en París nacían el cubismo y el surrealismo en Alemania nacería el expresionismo, corriente muy influida también por el arte tribal (Emile Nolde viajó a Nueva Guinea en 1913) y con el objetivo de luchar contra el realismo de la pintura burguesa, imponiendo además del cambio estilístico, nuevos temas en la pintura. Los cuadros ya no quieren narrar historias, sino provocar sensaciones, de ahí que los rostros de deformen y cambien de color, volviéndose estos estridentes y llamativos, y la pincelada cobre la importancia del trazo que ya le dieran Munch o Vang Gogh, claras influencias en su pintura. Del mismo modo, los expresionistas van a tomar como modelo a sus vecinos, a las gentes de las calles y las escenas cotidianas de sus ciudades natales. A pesar de esto, Emile Nolde tiene una importante serie de escenas religiosas revisadas desde su peculiar estilo.
Nosotros vamos a intentar pintar como Emile Nolde en varios aspectos. en primer lugar saturando los colores, haciéndolos llamativos, y marcando la pincelada, utilizándola como recurso expresivo. Hubo quien prefirió aplicar esto a la representación de un bodegón, en el que no dibujaron y partieron de aplicar la pintura directamente, y con otros alumnos fuimos más allá e intentamos construir imágenes expresionistas. Para ello nos basamos en la utilización de rostros, escenas con varios individuos que se relacionan y cuentan cosas, para luego elegir los colores en función de la emoción que quisiéramos expresar.
Los resultados han sido muy variados, pero creo que recogen perfectamente la esencia de este movimiento.





Marina, 7 años

 Marta, 7 años

Jaime, 9 años

Sandra, 12 años

Belén, 12 años

Javier, 13 años

Bodegones cubistas: Juan Gris

En esta ocasión decidimos ir un poco más allá. Los niños dan por hecho (porque así es como se les enseña), la posición ante el modelo, la manera en que se pinta un cuadro, esto es, sin moverse del sitio, con el "lienzo" plantado sobre el caballete y el pintor liberando únicamente el brazo ejecutor.
Este día no fue así; la clase se convirtió en un ir y venir de los pintores, que debían observar y representar sus modelos desde diferentes puntos de vista, basándonos en los cubistas, un grupo de pintores que entendieron el mundo de posibilidades que les abría el trabajar con fragmentos en vez de con totalidades. Una forma nueva de entender el mundo exigía nuevos modos de trabajar, nuevos medios, nuevos procesos e inevitablemente nuevos resultados. La representación del mundo estaba cambiando. El pintor quieto, pintando ante una realidad inamovible, imperecedera y eterna había caído junto con los regímenes que tuvieron el sueño de reinar eternamente. Aquellos reyes absolutos habían muerto y la verdad ya no era una sola. La historia comenzó a tener más versiones que la de los ganadores. La realidad ya no era una ni se presentaba de frente al espectador. El entendimiento del mundo exigía múltiples puntos de vista, un artista que ya no quedara plantado delante de sus objetos, un narrador dinámico, que los rodeara, que investigara más allá de la cara con que estos se muestran al mundo. Todo esto es el cubismo, es la teoría de la relatividad de Einstein, y es un cambio de mentalidad que metió de lleno al hombre en la modernidad. 
En esta ocasión abordamos los bodegones de clase basándonos en uno de los grandes pintores cubistas, Juan Gris, madrileño de nacimiento, pero que como tantos otros de principio de siglo XX desarrolló su carrera en París.




Marta, 7 años

Jaime, 9 años

Lisa, 10 años

Carlota, 11 años

Picasso: retratos cubistas

Volvemos con Pablo Picasso. Esta vez sí para fijarnos en su aportación más famosa e importante a la historia del arte: el cubismo, en un ejercicio que repetimos del año pasado en vista de los buenos resultados

Además de intentar entender las bases de esta nueva concepción del arte, vamos a aprovechar para centrarnos en otro de los géneros de la pintura: el retrato. Picasso hizo multitud de ellos en su larga vida. Sólo viéndolos se podría muy bien apreciar su evolución como artista.

El niño no concibe nunca una cara en una posición que no sea de frente. Teniendo en cuenta que el cubismo plantea una visión de los objetos desde múltiples perspectivas, vamos a proponer un ejercicio de tres retratos, uno de frente, uno de perfil y uno cubista. Cada retrato será a un compañero diferente, de manera que poco a poco y a lo largo del curso, todos nos hayamos dibujado una vez los unos a los otros.

En cada retrato deben aparecer todos los elementos del rostro claramente, para que en primer lugar aprecien la diferencia entre un ojo de frente y otro de perfil, la situación de las orejas, la nariz, etc.
Por último, en el retrato cubista lo que vamos a hacer es mezclar todo esto en una misma cara. Una cara que podrá tener un los ojos de frente y la boca de perfil, o el pelo de frente y las orejas de perfil. Caras extrañas pero que cada uno tendrá que pensar bien antes de componer...





Elina, 5 años

Pablo, 7 años

Ignacio, 8 años

Alejandra, 10 años